Waaroor die "walglike kunsgeskiedenis" praat
Enige kuns moet gesien word vanuit die oogpunt van die tyd toe dit geskep is, gebaseer op die mentaliteit van 'n bepaalde land en spesifieke eienskappe wat inherent is aan die outeur van die werk. Dit veronderstel die aanwesigheid van nie net 'n groot hoeveelheid kennis nie, maar ook die begeerte om die psige van 'n persoon wat lank op 'n spesifieke punt op die planeet Aarde woon, te verstaan. En net dan kan u 'n objektiewe sielkundige portret van die skepper kry en sy werk verstaan …
In 2019 publiseer die Eksmo Publishing House die boek Disgusting Art. Humor en afgryse van die skilder van meesterwerke”. Die skrywer, 'n kunskritikus van opvoeding, met uitstekende erudisie en 'n sprankelende sin vir humor, skryf uit wêreldkunswerke vanuit 'n ongewone oogpunt vir liefhebbers van die mooi.
Die geskiedenis van hierdie boek het in 2017 in die skrywer se persoonlike blog begin, onder die opskrif 'Walglike kunskritiek', en 'n ontleding van die skilderye uit die verlede gepubliseer, wat lesers geskok het, waarvan baie algemeen erkende meesterwerke van wêreldbelang is. Die skrywer bied die intrige van hierdie skilderye in 'n moderne taal aan op 'n manier van lewendige spreektaal, sonder die wetenskaplike ooreenkoms wat intellektuele aanvaar en die versluier van akute onderwerpe wat nie in die kulturele ruimte vir bespreking aanvaar word nie. Onder haar pen het antieke Griekse mites en Bybelse verhale kulturele klere afgegooi en verander in verhale van kannibale, verkragting, roof, moorde, misdade en allerhande verminkings wat mense, helde en gode, heiliges, konings en martelare mekaar opdoen.
Die blog het vinnig gewild geword. In 2019 publiseer die Eksmo Publishing House die boek Disgusting Art. Humor en afgryse van die skilder van meesterstukke”in duisende eksemplare. Die boek het 'n topverkoper geword. Soos die skrywer self skryf, bevat die boek 'my handelsmerk dom grappies oor kuns en bloeddorstige foto's oor verkragting, kannibalisme, die uitgooi van 'n loergat en ander lekkernye'.
Ek het herhaaldelik afgekom op die feit dat baie slim, subtiele, intelligente mense deur hierdie verskynsel meegevoer word en met brandende oë verhale van "walglike kunsgeskiedenis" absorbeer.
In hierdie artikel het ek probeer om uit te vind wat die kern van hierdie verskynsel is, wie die verbruiker van sulke verhale is en of hierdie inhoud nuttig is vir die samelewing. Wat sit agter die 'walglike kunsgeskiedenis' - die lig van kennis, soos die outeur dit posisioneer, of die devaluasie van werke van wêreldkuns wat deur die mensdom erken word? Of lê die waarheid miskien êrens in 'n ander vlak, nie verwant aan kuns nie?
Laat ons van ver af begin en die geskiedenis van die opkoms van kuns in herinnering roep, soos dit deur Yuri Burlan geopenbaar word tydens die opleiding "System-vector psychology".
In die onbewuste van die mensdom het die natuur twee basiese begeertes: selfbehoud en voortplanting. Hieruit kom twee basiese aspirasies: om te eet om te kan lewe en om voort te gaan met kinders. Daarom is seks en moord al duisende jare die hoofmotore in enige persoon se lewe. En vandag is mense wat in 'n onontwikkelde, argetipiese toestand is, en hou meestal daarvan om hierdie onderwerpe te bespreek, skinder daaroor op die bankies en kyk na die flieks: wie wie vermoor of vermink het en wie 'n intieme verhouding met wie aangegaan het.
Om die spesie van uitwissing te bewaar, het mense taboes en wette opgestel wat in ons evolusie ingeskryf is. Die tweede afskrikmiddel was die opkoms van kultuur. As gevolg van 'n ingewikkelde en lang proses van evolusie van ons psige, het mense geleer om simpatie te hê, empatie met 'n ander persoon te hê, en liefde het verskyn. Later het die vertaling van hierdie staat in vorms en kleure een van die belangrikste bestemmings van die kunstenaar geword.
Kultuur en kuns het instrumente geword wat spanning in die samelewing aan bande gelê het, en met hul hulp het mense hul emosies verlaat en weerhou van aggressie teenoor mekaar. Hoe?
Kunstenaars weerspieël te alle tye in hul werk die wêreld rondom hulle in vorms en kleure, waargeneem deur hul besonder sensitiewe orgaansig, en een van die belangrikste betekenisse van kreatiwiteit was en bly tot vandag toe die emosionele komponent.
Om emosie te voel, jouself in die plek van 'n ander voor te stel, jammer te wees vir die gewraakte mense, om die oortreder te bedreig, ten minste in gedagtes om die swakkes te beskerm - dit is 'n kenmerk en vermoë van die mense wat draers van die so- visuele vektor genoem. In die mensegemeenskap is sulke mense ongeveer 5%. Omdat hulle hul eiendomme besef, word hulle dikwels dokters en kunstenaars. 'N Dokter is 'n persoon wat 'n ander persoon help, sy siel en psige genees, aanvaar, meelewend en medelydend is. Die kunstenaar is die persoon wat die kyker motiveer om lief te hê met sy visuele kuns - omdat hy self lief is.
Kultuur het ontwikkel en gaan voort om parallel met menslike evolusie te ontwikkel. Op die vlak van die lewelose natuur kon mense die skoonheid van vorms op plant- en dierevlak waardeer. Hulle het geleer om 'n emosionele verbintenis met die wêreld van lewende wesens, op menslike vlak, te vestig en te kompliseer, humanistiese idees van die hoogste waarde van die mens se lewe verskyn. Die vierde, geestelike vlak, is nog nie deur die mensdom geopenbaar nie. Maar onder groot kunstenaars, regte genieë, waarvan die psige sowel klank- as visuele vektore bevat, kan ons pogings sien om hierdie tema vir 'n paar eeue in kreatiwiteit te vertaal.
Die mate van ontwikkeling van die visuele vektor verskil tussen die draers daarvan en bepaal die belangstelling van die kunstenaar in wat en hoe hy in sy werk uitbeeld. Maar basies is dit altyd 'n groot belangstelling in die uitgebeeld. As die kunstenaar tonele van vrees en geweld op die doek beliggaam, as hy selfbeskadiging in alle besonderhede skilder, homself skrik en die gehoor skrikmaak, dui dit daarop dat sy psige in 'n onontwikkelde, frustrerende of stresvolle toestand verkeer. Sulke kreatiwiteit is nie nuttig nie en bevorder die mensdom nie op die pad van evolusie nie. Dit is 'n dummy.
Die leitmotief van 'walglike kunsgeskiedenis' is die gesprek oor die eng temas wat die intrige van baie kunswerke ten grondslag lê. Die skrywer van die boek skryf in die inleiding: “In baie museums regoor die wêreld is daar skilderye van beroemde kunstenaars uit die 15de - 19de eeu wat verbaas is oor hul inhoud. Daar gebeur duidelik iets ergs met hulle - moorde of verbrokkeling, frats word volgens ons optrede uitgebeeld of onwelvoeglik. Om te verstaan wat presies op die doek gebeur, moet u ernstig delf in die geskiedenis of literatuur, onthou vergete mitiese helde.
En dit blyk dat baie van hierdie gruwelike karakters - misdadigers en slagoffers - al eeue lank van prentjie tot prentjie dwaal, van die oudheid en die Renaissance tot die romantiek en moderniteit. Vir eeue het kunstenaars 'n belangstelling in hierdie onderwerpe behou, ondanks 'n groot aantal ander, meer "ordentlike" en pragtige verhale. Afhangend van die era, verander die redes vir hierdie belangstelling, maar die belangrikste bron daarvan bly onveranderd - die behoefte om telkens weer te begryp wat die verskriklikste vir die een persoon na die ander kan skep, die behoefte om die demone van sy eie siel te ken.
As ons die onderwerpe saamvat waaroor die skrywer skryf, kry ons dieselfde moord en geslag. Dit is hierdie agtergrond wat die skrywer van 'walglike kunsgeskiedenis' in sy verhale openbaar.
Nadat hy die onooglike essensie van die skilderye bereik het, en in wese - die fondamente van die menslike lewe soos dit in ons onbewuste is, maak die skrywer van '' walglike kunsgeskiedenis '' 'n einde daaraan en laat die laggende leser 'n bittere gedagte agter: 'So, blyk dit, wat kuns is! Seks en moord, geweld, misdade en ondeugde van die menslike natuur, bedek met helder kleure en pragtige vorm. Met hierdie benadering blyk die uitbeelding van die hartstogte van die menslike natuur die uiteindelike doel van kuns te wees en word die rol van die kunstenaar gesien as die metodes van 'n nar wat die kyker vermaak met anekdotes in kleure.
Om die plot te stroop, die meganisme van mense se optrede te onthul, 'waardeer' walglike kunsgeskiedenis 'die kuns en stel dit voor as 'n strokiesprent van aaklige, dom of snaakse verhale, wat op hierdie manier gesien word deur die oë van ons tydgenoot.
Wie is die verbruiker van hierdie inhoud? Wie hou daarvan om met helde te spot en die donker kant van die menslike natuur bloot te lê? Eienaars van dieselfde eienskappe van die visuele vektor. Baie van hulle het hoër onderwys, is opgelei in die voorbeelde van klassieke literatuur en musiek, besoek museums en teaters. Hulle, met 'n sluier van opvoeding, kan die mooi en grasieuse waardeer, maar ervaar nie genoeg plesier in die lewe nie.
Om die leser met 'n parmantige styl en 'n boeiende intrige te vermaak, wys die skrywer nie die belangrikste nie: hoe hierdie gebeure deur die kunstenaar geïnterpreteer word, hoe die beeld op die doek die standpunt van die kunstenaar weerspieël en wat sy eie boodskap aan die kyker. En dit is altyd dieselfde in die erkende meesterwerke van die skilderkuns: aanvaarding, empatie, veroordeling van geweld en simpatie vir die gewondes.
Daar moet in gedagte gehou word dat mense se morele waardes nie konstant is nie: op verskillende tye, in verskillende lande, afhangende van die mentaliteit van die mense en die mentaliteit van die kunstenaar, kan dit verskil. En wat natuurlik is en aanvaar word in die een tydvak, kan in die ander tyd as monsteragtig beskou word. Wanneer liberale humanisme vandag die waarde van enige menselewe tot die absolute punt verhoog, is enige geweld teen iemand onaanvaarbaar, wat nog te sê moord en selfskending. Maar dit was nie altyd so nie.
Kom ons kyk na twee voorbeelde uit die kunsgeskiedenis. Rembrandt se skildery "The Rape of Ganymede" beeld 'n plot uit die antieke Griekse mite uit, waarin die arend-Zeus 'n seun wat uit die dorp gesteel is, onder die wolke wegvoer.
Kom ons fokus op wat Rembrandt presies uitbeeld. The Great Dutchman wys die kyker die lyding en vrees van 'n klein kind wat deur 'n groot voël ontvoer is. Volgens die estetiese kanons van ons tyd is die gekreukelde, traanbesmeerde gesig van die vet kleuter nie die ideaal van kinderlike skoonheid nie, die dik bene en breë gesig van die baba sal nie simpatie by elke persoon veroorsaak nie, maar ongetwyfeld die gevoel dat die kunstenaar, die vader self, het vir die kind wat uitgebeeld word. 'N Paar presiese besonderhede - en enige moeder en vader sal hul kind in 'n emosionele soortgelyke situasie onthou - klou 'n bos bessies in sy hand vas, met sy hemp opgetrek, in 'n deursigtige druppel van vrees. Wat word presies in hierdie prentjie uitgebeeld? Onvanpaste seksuele omgang, soos die skrywer van die blog daaroor skryf? Nie. Medelye en empatie vir 'n klein man wat hom in 'n moeilike situasie bevind.
Nog 'n voorbeeld. In Rubens se skildery "The Abduction of Orifia by Boreas" (1715) hou 'n magtige man 'n opgeblase vrou in sy arms. In die woorde van die skrywer van 'walglike kunsgeskiedenis' word hy gekenmerk as ''n man wat op hierdie doek die onwettige daad pleeg om 'n vrou uit haar blyplek te ontvoer om gereelde seksuele dade te pleeg met daaropvolgende aanhouding teen haar wil. op 'n ander plek. ' Beklemtoon protokol, moderne taal, waardeer die afgebeelde, en nou sien die kyker 'n banale polisieverhaal in plaas van wonderlike geskrewe beelde van twee pragtige mense met sterk gevoelens.
In baie millennia van die mensegeskiedenis was die ontvoering van vroue uit 'n naburige stam 'n waarborg vir oorlewing. Gemengde huwelike het 'n sterk en intelligente nageslag gegee en die stam teen degenerasie beskerm. Vandat die moederinstink uitgebuit is, is die vrou behandel as eiendom sonder reg op haar eie lewe. En in die dae van Rubens was dit basies die geval. Die intrige van hierdie prentjie was verstaanbaar vir die mense van die 17de eeu, en hoewel dit nie uit die werklikheid van hul lewe is nie, is dit heel aanvaarbaar as 'n beeld van die historiese verlede. Die maatstaf van die XXI eeu, wat ver gevorder het in die erkenning van die regte van enige persoon, kan nie "beoordeel" word deur die skilderye van kunstenaars wat eeue gelede geleef het nie.
Wat word eintlik uitgebeeld in die skildery van P. Rubens? Dit is die ontvoering van 'n vrou deur 'n man ter wille van plesier, ter wille van die mees akute en kragtige ervaring, uiters belangrik vir enige normale volwassene. In die arms van 'n hartstogtelike en sterk man, 'n onderdanige vrou, reeds met 'n sensuele blos, gereed om die man wat haar gekies het, te aanvaar en haar lot te bereik. Daar is geen lyding of weerstand in haar houding nie, dit is 'n voorgevoel vir 'n gewone en so gewenste vroulike geluk - om liefgehê te word, om 'n vrou en moeder te wees. Dit is 'n prentjie oor die vereniging van 'n man en 'n vrou, oor hul aanvaarding deur mekaar, dit is liefde.
Trouens, die korrekte onthulling van die fondamente van die menslike natuur, maak 'walglike kunsgeskiedenis' 'n einde aan die punt waar u 'n komma moet plaas en verder moet gaan en die proses wat die skrywer begin, dieper verstaan. Die devaluasie van die kuns van die verlede deur bytende, soms op die rand van onafdrukbare, in 'n woord, en die beoordeling van hierdie kuns vanuit die perspektief van 'n persoon van die XXI eeu is absurd en onnodig. Dit is gelykstaande aan hoe 'n volwassene 'n baba sou veroordeel omdat hy in sy broek gepoep het en 'n kat aan die stert gesleep het.
Die verwydering van die sluiers en die begrip van die essensie agter mitologiese, godsdienstige en ander komplotte in die geskiedenis van die mensdom, is die eerste stap tot 'n ware begrip van kuns en die rol daarvan in die geskiedenis.
Ek sou 'n ander algoritme voorstel om die essensie van kuns te verstaan:
1ste fase: om die plot van 'n bepaalde kunswerk te verstaan, "strip" die plot tot sy eenvoudige wese.
2de fase: stelsel-vektor-analise van die plot wat onderliggend is aan 'n bepaalde kunswerk.
3de fase: die studie van hoe die kunstenaar die plot met sy gereedskap van die skilder uitgebeeld het, watter betekenisse hy daarin gelê het, watter kenmerke van die wêreldpersepsie daarin gelees word in verband met die mentaliteit van die mense en die mentaliteit van die outeur van die prentjie.
Nadat u al die nuanses van die afgebeelde verhaal tot kristalhelderheid verhelder het, is dit nodig om weer terug te keer na die formele kant van die kunswerk en deur die oë van 'n kunskritikus met die talent van 'n skrywer in 'n hoë gehalte literêre taal om aan te toon hoe die kunstenaar presies sy moeilike en edele missie vervul het - hy het medelye, liefde in mense wakker gemaak, haat en vervreemding oorkom, terwyl hy vrae gevra het oor die struktuur van die heelal, hy was op soek na die sin van die lewe.
Dan sal baie aaklige, snaakse of belaglike situasies wat in die skildery vasgelê word, korrek verstaan word deur die kyker van die XXI eeu en dit sal ophou om idiote gelag of bittere teleurstelling in die kuns en werk van die kunstenaar te veroorsaak.
Enige kuns moet gesien word vanuit die oogpunt van die tyd toe dit geskep is, gebaseer op die mentaliteit van 'n bepaalde land en spesifieke eienskappe wat inherent is aan die outeur van die werk. Dit veronderstel die aanwesigheid van nie net 'n groot hoeveelheid kennis nie, maar ook die begeerte om die psige van 'n persoon wat lank op 'n spesifieke punt op die planeet Aarde woon, te verstaan. En eers dan kan 'n mens 'n objektiewe sielkundige portret van die skepper kry en sy werk verstaan.
Om uit te vind wat agter die intrige van beroemde kunswerke sit vanuit die oogpunt van sistemiese kennis, beteken om tot die essensie van menslike verhoudings te kom en deur middel van die verhale wat op die doeke vasgevang is, letterlik alles te verstaan wat die mensdom op die pad beweeg. van die ontwikkeling daarvan. En kyk dan na 'n spesifieke meesterstuk deur die oë van sy tydgenote, deur die oë van die meester wat dit geskep het, en verstaan wat die skrywer presies uitgebeeld het - Rubens, Michelangelo, Kandinsky, Picasso - watter boodskap hy aan mense oorgedra het, en beoordeel dit korrek watter soort bydrae die kunstenaar gelewer het oor die evolusie van die mensdom.
